Análisis de una película

VICTORIA, de Justine Triet

En La bataille de Solférino (2013), ópera prima de la francesa Justine Triet, el ejercicio profesional de una reportera televisiva de clase media (Laetitia Dosch) se solapaba con la necesidad de atender a sus dos hijas y confrontar a su antiguo marido. Bajo un esquema de comedia caótica, llamada también a testimoniar el ambiente de las calles parisinas durante la segunda vuelta de las elecciones presidenciales de 2012, en las que François Hollande resultó vencedor, Triet lograba poner en pie un conflicto que era en sí el verdadero valor de aquellas imágenes: la dificultad de una mujer moderna para compaginar su profesión con las cuitas de su vida personal.

Tres años después del modesto éxito que supuso su debut, la directora parece haber emprendido un notorio giro hacia la sofisticación del enredo, pero sin comprometer la esencia por la que destacó entonces. Victoria (2016) retoma algunos de los puntos de conflicto de La bataille de Solférino: el exmarido de la protagonista del título (Virginie Efira) plantea un serio escollo para su vida, con dos niñas a cuestas, un carrusel de hombres desastrados en su cama y, sobre todo, la asfixiante actividad laboral que supone su puesto de abogada penalista. En un escenario personal de creciente adversidad, Victoria se ve forzada a defender la causa de un viejo amigo, acusado por su compañera de apuñalarla durante una boda. Lejos de ser el corazón de la película, el incidente sirve a Triet para desplegar sus inquietudes sobre la crisis existencial de una madre divorciada y trabajadora que lucha por su independencia, con mucho lo más interesante del relato.

Los casos de Victoria

La secuencia de esa supuesta agresión, hurtada al espectador con la climática aparición de los tardíos créditos iniciales en una fiesta al son de The Look de Metronomy, genera unas expectativas en la dirección de Triet que se diluyen después en un sentido formal mucho más convencional, pero a la par elegante y práctico. A través de él dibuja varios caminos, todos ellos coincidentes en el punto de intersección entre la comedia sentimental crowd-pleaser y el retrato de una realidad personal de ineludible amargura. El mérito de la autora es mezclar sus incursiones en ambos terrenos sin apenas aflojar el pulso: al torbellino de reveses cotidianos que asolan la vida de Victoria, desde el pleito con su exmarido por ser objeto de un humillante blog hasta la suspensión temporal de su empleo por intrusión, le suceden sin pausa ocurrencias tan opuestas como la disparatada intervención de un simio y un dálmata en el juicio final.

De este modo, Victoria pierde cohesión y contundencia al disipar su arrolladora energía en varios frentes, pero también se confirma como el estilo de comedia romántica, inteligente y respetuosa con los miedos de su personaje femenino, que muchas veces se anhela encontrar en las programaciones más comerciales. En casi todo momento más cercana a la encrucijada vital de Toni Erdmann (Maren Ade, 2016), con la que compartió selección en Cannes 2016, que al devaneo amoroso de una Bridget Jones, y sobre todo con un potente regusto a screwball comedy clásica, la obra guarda en su desenlace la mejor prueba de sus virtudes y defectos. Al consumar el inicio de su relación con el joven Sam (Vincent Lacoste), sugerida con insistencia pero no capital en el relato, Victoria alude al caos de su vida como razón del aplazamiento de tal momento. Deslizar hasta la última secuencia ese instante cumbre en cualquier narrativa romántica convencional que se precie, tras una enorme sucesión de discusiones y pleitos, es la estrategia de Triet para representar la complejidad del agotador ritmo de vida que retrata, quebrando clichés sin renunciar a su aura de entretenimiento ligero y amable. También por esta última razón, el resultado es más endeble de lo que indica su poderoso discurso.

Luis Betrán

Las maravillas de Eugène Green

La sapienza (2014)

 

La sapienza. de Eugène Green

La arquitectura es una metáfora fácil para lo divino - un mundo donde el arte y la artesanía, y la belleza y el diseño, se consideran iguales. Tomando su nombre de la palabra derivada del latín, el título se refiere a la idea de un "gran conocimiento" que los artistas del Renacimiento buscaron a través de la síntesis de los médios. Repleto de carretes de remolinos de los edificios más bellos de Roma - todos de forma crucial disparó desde el suelo hacia arriba, mirando a los cielos - La Sapienza es visualmente impresionante. Pero el retrato del director franco-estadounidense Eugène Green es mucho más que bellas imágenes pontificando salvajemente sobre temas de envejecimiento, culpabilidad, sacrificio, lenguaje, libertad y responsabilidad, usando un dispositivo de trama central que se desvía mucho menos de lo que parece.

El colaborador frecuente de los hermanos Dardenne, Fabrizio Rongione, una actriz italiana y francesa, Christelle Prot, interpreta a Alexandre y Aliénor Schmidt, una pareja parisina cargada que se embarca en un espurio viaje a Italia; aparentemente para que él, un arquitecto, pueda estudiar a su héroe Francesco Borromini, pero realmente para ambos "pensar". Un encuentro casual (¿o el destino?) ve acercarse a un hermano adolescente local que vive en Ticino, el lugar de nacimiento de Borromini. El joven de 18 años, a punto de embarcarse en un título de arquitecto, se une a Alejandro en un viaje para absorber a los maestros en Roma, donde sus crudas opiniones académicas chocan con los ideales apasionados de la juventud.

"Es hermoso", declara el chico, viendo otra obra maestra barroca. -Y bien aprendido -contesta el anciano-. Es arte versus artesanía de nuevo, pero esta vez dividido por la edad, e inevitablemente las dos generaciones tienen mucho que aprender unos de otros. Mientras tanto Aliénor permanece en Ticino, donde ella construye una relación con la hermana psicosomáticamente encapuchada del muchacho. Se produce una transacción similar. Ella, socióloga de izquierda, explica la felicidad profesionalmente por la presencia de la riqueza. La niña está leyendo a Madame Bovary, la historia de una mujer que está bien provista, pero no satisfecha por sus circunstancias. Ambos encuentros parecen predicar las virtudes del espacio y la libertad, tanto en la arquitectura como en la vida: los pragmáticos aprenden a soñar y los soñadores aprenden el valor de la experiencia ("Los espacios no son nada más que vacío", dice Alexandre, "El vacío que debe llenarse "Responde el joven Goffredo). Una escritura conmovedora y meditativa, densa de significados e ideas, pero ligera con movimiento y acción, nada se dice explícitamente a la audiencia.

Ambos conductores brillan con desempeños tremendamente restringidos. Con virtualmente ningún movimiento psíquico en absoluto, los actores se dejan impartir diálogo profético de la literatura como si un mensajero, oraciones de peso que se sientan en la pantalla por momentos. Green ha inventado muchas cosas - una oda a la belleza de la creación, una celebración de los maestros, y una pieza de pensamiento existencial que predica el amor y el conocimiento como dones divinos que vale la pena atesorar. Una joya.

El hijo de José (2016)

La salida comienza con un crédito intoxicante, tanto para el ojo como para el oído. En la ciudad (París), los coches ruedan y aparcan, los peatones cruzan, bajan, presionan las escaleras del metro. Un ballet fluido - magnífico o vano, magnífico y vano - de individuos en movimiento. Uno no puede ver sus rostros, la humanidad que se concentra, y de qué manera sublime, en la música barroca italiana - que acompaña estas imágenes casi abstractas. Las voces e instrumentos del poema armónico, el conjunto dirigido por Vincent Dumestre, nos persuaden de que el propio estilo de Eugene Green ha "vuelto a golpear" ... Una película que ofrece mil lecturas. El escritor, dramaturgo y cineasta firma un nuevo largometraje, como siempre infinitamente cultivado, insolente y espiritual (en ambos sentidos del término), desconcertante y magnético. Una película que ofrece mil lecturas incluyendo la reversión. De la verdad y de su opuesto, de la paternidad y de la filiación, del deseo de matar y del llamado de la salvación, de la mordaz ironía y de la ingenuidad que no se avergüenza de sí mismo, mentira mortificante y sinceridad liberadora, sentimientos pervertidos y amor genuino ... La lista seguiría siendo larga.

Esta bipolaridad fundadora se encuentra en la estructura de la obra misma: la primera parte de la película, antes de que aparezca el personaje de José, puede parecer árida, fría o privada de esa extraña vibración que tan a menudo habita en el cine de Eugene Green. La segunda deslumbra nuestra mirada y nuestra comprensión de su suave pero resueltamente mística luz, su indefinible gracia. La historia de Vincent, el joven héroe de la película al que Victor Ezenfis presta su cara de Caravaggio, se reduce a una carencia: la de un padre desconocido cuya madre se niega a hablarle: "¿Quién es mi padre? No tienes padre. El adolescente persiste y descubre secretamente una carta que le revela la identidad generativa de Oscar Pormenor, un editor de germanopratina con corazón seco, evolucionando en un círculo con esnobismo patético y caricatural. Se reconoce la garra de Eugene Green que rasca sin aspereza, ni miedo al exceso, un mundo pequeño ridículo y arrogante. En particular, hay un periodista que es bastante "Goldfinger", una crítica en L'Eleveur litteraire, encarnada por una jubilosa María de Medeiros. Contemplando cada día en su habitación una reproducción del Sacrificio de Isaac de Caravaggio, Vincent está fascinado por el cuchillo del padre preparándose para cortar la garganta del hijo ... y piensa en venganza, de nuevo invirtiendo el orden de las cosas, el orden de los seres. Pero él también será detenido por un ángel en su impulso sacerdotal. Y la película hará un nuevo comienzo.

Fábula o parábola, dividida en capítulos que se refieren explícitamente a las Escrituras ("El becerro de oro", "El carpintero", "La fuga a Egipto" con el culo requerido ...), El Hijo de José coloca a los personajes y los espectadores cara a cara con el vértigo de la revelación: cruel cuando se trata de la identidad del padre, acariciando cuando, en su primer encuentro, la madre de José y Vicente intercambian sus nombres - "Yo, es María ..." Esta revelación pasa por la imagen, con sus fotos fijas, imágenes verdaderas iluminadas con viejos tonos de oro, alrededor de una mesa de café o frente al mar sedoso bordeado de espuma, calmando las mentes preocupadas. música como la queja de una madre. Así pasa también a través de la música tan querida de Eugene Green y encontramos, en una secuencia en forma de ofrenda, la tiorba de Vincent Dumestre, las voces, el habla y la canción, Louise Moaty y Claire Lefilliâtre, discípulos y cómplices del director. A la luz de las velas (una alusión barroca), Vicente y José oyen la queja de una madre. Y la emoción, tan cuidadosamente mantenida a cierta distancia del juego de sus actores, se propaga repentinamente en ondas.
Plegable con un lenguaje natural de artificio, los actores son los embajadores de esta película única y teniendo Mathieu Amalric, de odio Pormenor eso también, la voluntad de tal vez abriendo un camino a Damasco, Natacha Regnier, María misteriosa iluminada desde adentro, y Fabrizio Rongione, José despertando y despertado por su encuentro con Vicente. Padre e hijo, hijo y padre. Un film distinto, subvalorado, único.

Luis Betrán